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  • 一名优秀的人像摄影师,手里一定拥有这5款镜头

    成为一名优秀的人像摄影师,就需要配备专业的器材。无论从室内摄影还是外景摄影,从婚礼摄影还是到街头摄影,肖像摄影镜头的应用范围越来越广泛。如果您正在寻觅一部适合肖像摄影的镜头,不妨看下我们为您介绍的这五款镜头指南。佳能85mm F1.4L IS USM镜头佳能85mm F1.4L IS USM此款镜头配备的长焦距和较大的恒定光圈相结合,可拍摄出独一无二的肖像图像。该镜头拍摄的图像质量非常有特点,在85mm处所拍摄的面部特征稍微平坦,但良好的虚化能力以及优异的成像锐度,可以很好地满足拍摄需要。此外,尤其是所拍摄出的肖像眼部周围的细节之处。尼康AF-S NIKKOR 70-200mm F2.8E FL ED VR镜头远距镜头的确因为透视压缩作用而使拍摄对象更加平坦,这也是这种镜头在肖像摄影界如此受欢迎的原因。尼康70-200mm F2.8镜头的宽焦距范围对于在中到大空间拍摄的摄影师来说是非常有用的。此外,尼康70-200mm F2.8镜头也是户外拍摄摄影师的理想选择,当镜头在最远端被时,额外的压缩有助于填充背景。固定的F2.8光圈也可以使更多光线进入,所以它也适合拍摄现场音乐会/演唱会的肖像图像,而且也不需要将相机感光度调高。适马35mm F1.4 DG HSM Art镜头适马此款镜头由于其固有的物理特性,很难获得较浅的景深。众所周知,我们的智能手机是“深景深”,甚至需要一种景深算法来使肖像图像看起来更“酷”,唯美的虚化效果。然而,适马35mm F1.4镜头具有如此大的光圈,使得它可轻而易举的将其从背景中分离出来。并且适马35mm F1.4镜头所拍摄出的图像也非常清晰锐利,是肖像和街头摄影的理想之选。佳能EF 50mm F1.8 STM镜头佳能此款镜头以其快速的光圈和较小的体积外观成为很多肖像摄影师的首选,与其它镜头相比,它的价格也相当实惠,尤其是二手镜头。并且,佳能50mm F1.8镜头的重量轻如羽毛,非常适合随身携带。尼康AF-P DX NIKKOR 18-55mm F3.5-5.6G VR镜头尼康此款镜头配备了许多适用于中级相机系统的良好特征。它轻便锐利,也具有出色的变焦范围。不同的镜头品牌有不同的光圈范围,从F3.5至F5.6不等,有些品牌也具有图像稳定。但您会发现,这只尼康18-55mm镜头也可以拍摄出高质量图像。

  • 编剧 | 写剧本的好方法

    要记得这条箴言:好的创意和糟糕的创意之间有一道鸿沟,但有时候它们其实是一回事,关键在于,创意的使用者是否有能力赋予其合乎逻辑的剧情和真实丰富的情感。另一条箴言是:好的创意完全可以重复使用……但这一条不适用于那些三流编剧和二流的导演,低质量的重复,有将整部电影拽入毁灭边缘的危险。当代电影,特别是在好莱坞,编剧电影的时候越来越讲求故事创意,讲究叙述的新奇视角和表现手法,这是它们赖以维持下去并寻求发展的唯一途径。捷径是不存在的。在这方面,包括好莱坞八大电影公司在内的全世界最具实力的那些制片公司,都渴望获得一本多快好省的“电影创意圣经”或“好故事百科全书”。这种东西不会从天而降,但在众多阐述电影剧本创作原理的书籍当中,罗伯特·麦基的《故事——材质、结构、风格和银幕剧作的原理》正在越来越多地受到深切关注,它深入浅出,并货真价实地令无数导演、编剧、评论家和制片人从中受益。在这本书的序言中,罗伯特·麦基警告那些未来的投机取巧者们,他说,“任何兜售商业成功范本和故事速成模式的说法,都纯属无稽之谈……没有人需要一本重炒好莱坞残羹冷炙的菜谱。”不过,当代好莱坞的现实却似乎并非如此,这头无法停止脚步的商业巨兽在过去10年里拍摄了历史上最多的续集、翻拍片和漫画电影,原因何在?《故事》一书描述了这样一段事实,很说明问题:“到90年代,好莱坞的剧本开发成本已经攀升到每年五亿多美元,其中有四分之三都付给了作家去选定或改写一些永远不可能投拍的电影。尽管耗资超过五亿,而且剧本开发人员总是竭尽所能,好莱坞还是找不到比他们实际投拍的影片更好的东西。难以令人相信的事实是,我们每年从银幕上看到的东西,就合理地反映了近年来剧作家所能达到的最好水平。”这一判断应该受到足够重视,不仅是好莱坞,中国电影在最近几年的现实也同样不容乐观,甚至显然更糟。最近几年,与好莱坞电影原创能力衰退形成鲜明对比的貌似是美剧复兴。但在2006年前后,随着《24》、《迷失》等时髦剧集所代表的魅力半衰期的快速缩短,疯狂迷恋美剧的观众们也开始感到最初几年那种层出不穷的新意正在逐渐减少,取而代之的是题材和创意的彼此抄袭令人越来越感到厌烦。和罗伯特·麦基的观点略有不同,在故事创意的彼此借鉴这个问题上,我倾向于肯定“复制”的价值,问题不在于可不可以借鉴(好的作品总是在彼此借鉴的),而在于复制是否卓有成效。一个好的创意如同电源,可以点燃任何形式的灯泡,令人不快的其实是那些习惯于盗窃别人的灯泡,而从不试图去了解电源为何物的蠢材。如果说诞生于1979年的电影《异形》是个绝顶聪明的创意,它将“人的异化”和“人类对未来的恐惧”这一主题推向一个高潮,那么此后它所派生出的一系列异形电影,事实上都是在不断复制这一成功并逐步耗尽它的内部电量,而2004年的《异形大战铁血战士》,则是利用了两个创意叠加的粗野方法“创造”了一个新类型?!某种程度上讲,这仍然属于创意范畴,但看上去已经相当愚蠢。在商业类型片的世界里,好创意是可以反复使用并被广泛证实确实行之有效的。最简单的方法比如转换故事类型或背景,将男女主角换成更大牌的明星,追加制作和宣传成本到足以引起最多媒体重视的程度……但操作时需要巧妙掌握规律并最大程度地获取新形式。事实上,好莱坞在这方面的成功例子并不罕见,本文旨在对此提供一种思路,并对好莱坞最近十年那些相当精彩的故事创意及其附属品的运行规律进行举例说明,如果竟能对中国的电影创作者们有所启发,当然最好不过。第一种创意:死去的人1999年,年仅28岁的印度导演奈特·希亚马兰在好莱坞拍摄了惊悚电影《第六感》,影片讲述了一个儿童心理学专家(布鲁斯·威利)试图帮助一个可以与鬼魂进行沟通并深受其困扰的男孩(海利·乔·奥斯蒙德),就在他开始取得重大进展之时,他却惊骇地发现,自己之所以可以和男孩进行沟通,并获知“另一世界”的秘密,竟然是因为自己早已在一年前的意外枪击中死亡,他自己就是一个鬼魂!▲《第六感》该创意在两年后即被影片《小岛惊魂》成功效法。《第六感》的创意可能得益于导演印度文化背景对死亡的反常规认识,一个对死亡浑然不觉的男人,对自己已经死去多时这一现实感到错愕与惊骇,实在吓到了所有人。而这个创意也绝不是凭空而来,历史上有不少成功小说都曾以死者的主观视角展开叙述,《第六感》只是故意藏匿了“我知道自己已经死了”这个特殊前提,从而达到出人意料的震惊效果。《小岛惊魂》显然“抄袭”了《第六感》的这一核心创意,但你几乎不会感到雷同,因为它借助妮可·基德曼出众的外貌和表演,貌似远离现代纽约的二战背景,以及西班牙导演阿曼巴不俗的导演手法,营造了一种全然不同的影片氛围,这让人来不及联想,只有当你看完电影走出影院,从观赏电影那种奇妙的非理性中挣脱出来的一刻,才有可能恍然大悟,原来,这是另一部《第六感》。鉴于复制这一创意的难度较大,而且失败率很高,此后很长一段时间里好莱坞没有出现大量跟风之作,但这一创意的启发性,却是空前的。比如死者与生者共存可以催化奇妙的戏剧感,就很可能是影片《第六感》带给我们的另一启示。2007年的最新美剧《幻想警探》便巧妙利用了这一启示,该剧由导演过《肖申科的救赎》的弗兰克·达拉邦特执导,剧本台词一流,由好莱坞过气男明星杰夫·高布伦扮演的迷恋黑色电影的洛杉矶警探,他是个想象力惊人的中年男人,在办案过程中,总是能幻想出正在侦破案件中的受害人,并在和死者的秘密沟通中发现案件的蛛丝马迹,最终成功破案。这样的故事,让人很难相信它丝毫没受到《第六感》的影响。此外,最近上榜的惊悚片《隐形人》也借鉴了这一创意。有趣的是,在印度电影里我们也可以看到这样的故事,比如在爱情喜剧片《黑帮老大再出击》里,男主角就通过自己幻想出的甘地,赢得了他那令世人瞩目的爱情。另一个典型创意可能也来自《第六感》的启发,2005年,由马克·弗斯特导演的《生死停留》,以其精彩绝伦的剪辑手法征服了无数观众,而整部电影竟然是一个死者在弥留状态下的逼真幻觉。这个故事“独一无二”的创造性是对《第六感》的巧妙升级,大卫·毕诺夫的剧本再次将死亡的戏剧性和游戏性推向了一个电影化的极致,令人久久难忘。第二种创意:封闭空间封闭空间是恐怖片,特别是低成本的美国恐怖片最常用的故事场景,B级恐怖片大都会使用这种利于控制成本的方式构架故事。最近几年,把这一类型发挥到极致的恐怖片是《电锯惊魂》,该系列的过人之处在于,常见的封闭空间正邪角力变成了一个个令人不安和却引人兴奋的死亡游戏。▲《电锯惊魂》而加拿大电影《立方体》则堪称此类型恐怖片的另一极端,它通过空间的最小化和不断地空间切换将不同人物挤压出各自的野心贪婪或正义坚持。在英国恐怖惊悚片《黑暗侵袭》里,导演(尼尔·马歇尔)则把洞穴冒险和女性惊悚主义融入残酷故事,也很成功。封闭空间对向人物施加强大的外部压力非常有利,同时,空间本身也能形成一个特殊角色,比如《异形》系列里的太空船、太空监狱。这种设计,有时候也会被用于那些负责探讨人类复杂心理和人际关系的艺术电影,比如塔科夫斯基的科幻片《索拉力斯星》或者罗伯特·奥尔特曼的《高斯福特庄园》。第三种创意:记忆碎片将主人公设计成一个失去记忆的人,这是悬疑故事常用的技术手段之一,它几乎已经成为一种新的次类型电影,但像克里斯托弗·诺兰的《记忆碎片》那样,在主人公失去记忆的前提下,又采用眩目的倒叙手法讲述故事,则实在令人耳目一新。在克里斯托弗·诺兰最精彩的那些故事里,他总是既担任导演又兼顾撰写剧本,2006年的《魔道争锋》也是这样,影片没有延续“失忆”这一典型情节,而是把最大悬念通过“谋杀复制人”这一关键动作表现出来,充满了令人惊讶的戏剧张力。▲《美丽心灵的永恒阳光》在好莱坞天才编剧查理·考夫曼的作品《美丽心灵的永恒阳光》里,“失忆”也被作为一个关键道具发挥地淋漓尽致,并几乎达到了此类叙事艺术的终点。在这个感动了无数人的爱情故事里,由喜剧明星吉姆·凯瑞扮演的乔尔,发现交往两年的女友克蕾婷(凯特·温斯莱特)到一家名叫“忘情诊所”的地方把一切有关他的记忆删除。眼见甜蜜爱情一去不回,痛苦之余为了报复,乔尔决定也到那家诊所把关于克蕾婷的记忆全部删除,但记忆清除程序启动之后,他却开始后悔。想起种种甜蜜往事,他发现自己并不想真正忘掉克蕾婷,但清除程序不可逆转,他只好在自己的记忆里一路狂奔,在一切消失之前想方设法保全这份爱的回忆。这真是一部令人心碎的电影,对爱情与记忆的辩证解析击中了当代人的情感软肋,它既是一个技巧纯熟的故事,又能在技巧之上唤醒和刺痛每个人内心的情感记忆,实在相当高明,妙不可言。相比之下,像《玩命记忆》这样的故事则不免显得小气,它讲的是一个谋杀者因为意外而短暂失忆,醒来后被误导,破坏了劫匪的绑架计划,成功解救了人质,但记忆苏醒后他才发现,原来自己是这起绑架案的策划者。不过这倒是个很有趣的讽刺作品。假借失忆编织推理落网、爱情陷阱的故事实在太多,开具一份漫长的清单似乎并不困难:《初恋50次》、《特工狂花》、《我脑海中的橡皮擦》、《波恩的身份》、《我是谁》、《灵幻夹克》、《鸳梦重温》……关键在于确定影片的类型,并置换故事背景,有关失记的故事,还有很多花样值得探索。第四种创意:“虫洞”理论多数情况下,“虫洞”理论是个难以定论的物理学概念,它本身就充满辩证色彩,有一定理论依据但难以证实,不过在好莱坞,它却是屡试不爽的神秘故事法宝,所有无法解释的逻辑悖论似乎都可以用它来搪塞。▲《蝴蝶效应》《死亡幻觉》、《时空线索》……无不借助这一理论,将故事的正常时空随意打乱、扭曲、折叠、翻转,但有趣的是,大多数情况下观众也很愿意乐在其中。而且这种创意不仅仅适用于科幻电影,不少惊悚片也从中受益,比如《雾气迷蒙》、《蝴蝶效应》,悬疑剧集《度日如年》等等,甚至包括韩国电影《蜘蛛丛林》,也可以算是这一创意的某种延伸。人是否真的能够打乱时空顺序而平行存在,这不是电影最关心的,电影利用这一噱头制造出别具一格的时间迷宫,让观众在一种迷失、困惑和沾沾自喜中获得愉悦,才是其意义所在。虫洞理论的银幕魅力在于,它能随心所欲地摆弄时空,而不显得过分矫揉造作。第五种创意:精神分裂在好莱坞,精神分裂者显然比失去记忆的人要多得多,以此为题材的电影也几乎已经形成一个次类型。早期的经典电影比如希区柯克的《精神病患者》(1960年),最新最酷的文本则是大卫·芬奇的《搏击俱乐部》。精神病患的人格分裂症状对应着电影的非现实性,它能让叙事更随心所欲,并使故事主题蒙上一层辩证色彩。在《搏击俱乐部》里,布拉德·彼特和爱德华·诺顿扮演的角色属于同一个人两个截然不同的人格层面,他们存在于同一空间,彼此面对面地交流心得并发生激烈对峙,这样的事情在现实中是不可实现的,但通过电影,它却被传奇化,不但深刻而且触目惊心。▲《搏击俱乐部》这是借助人格分裂作为电影叙事技法的典范,还有一些影片则直接探讨主人公的人格或精神分裂,比如郎·霍华德的《美丽心灵》(2001年)和大卫·科南伯格的《蜘蛛》(2002年),也同样获得了巨大成功。而伊恩·索夫特雷《K星来客》,则以更加暧昧的人道主义立场,将精神病患者的世界观彻底浪漫化了,在片中,凯文·史派西扮演的波特自称是个来自K-PAX星球的外星人,这一说法不但得到精神病院病患们的认同,同时也令他的精神分析师马克(杰夫·布里基斯)陷入困惑和迷惘。影片最后,并没有明确交待波特究竟是否外星人,而这也成为影迷们激烈讨论的关键所在。精神病患这一创意,更多的还是被用于商业惊悚片的悬念制造(就像希区柯克47年前作的那样),《神秘窗》、《机械师》、《致命ID》都是如此,但这种“单纯的分裂”往往很容易被熟练的观众一眼识破,《致命ID》仍能达到一定的惊悚效果。但像《神秘窗》、《机械师》这样的故事则已经代表着此一类型的衰落,相比之下,一些非好莱坞影片却能拍出新意,这其中法国的《高压电》和墨西哥的《潘的迷宫》比较突出,尤其后者,它是一部将魔幻和现实紧密结合的电影,最终观众发现,影片的魔幻部分其实全部出自那个酷爱童话的小女孩的幻觉。导演(吉尔勒莫·德尔·托罗)真该为此获得一个2006年最佳银幕创意奖!第六种创意:梦的解析某种程度上讲,电影其实就是一个个梦,但梦本身却不是电影。▲《盗梦空间》有些电影试图表现人类的梦境,并透过梦境展现人物内在的精神焦虑,但像《半梦半醒的人生》这样的电影,仍然属于一个极端,它的故事情节发生在无限循环的梦境之中,梦中有梦——无论你如何醒来,你都仍然身处另一梦境当中。这实在太有趣了,同时也相当令人崩溃,但电影,自古以来就具有这种催眠力量,而观众则善于无条件地接受这种催眠。关于梦的解析,我认为当代电影对它的挖掘还远远不够。第七种创意:神奇力量身体因为神奇激光照射而变大、变小,时间隧道可以把人送回史前时代或异度空间,野心科学家发明了可以令人隐形的药水,被蜘蛛咬伤可以变身无敌超人……这些不可思议的景象都曾被在好莱坞一一实现,但好的创意绝不仅仅停留在这些表面变化上,像《亲爱的,我把孩子变小了》、《隐形人》、《蜘蛛侠》或《博物馆之夜》这样的电影,“神奇力量”往往只是一把打开视觉奇观的逻辑钥匙,它们赋予现实世界以超现实力量,但最终讲述的仍然是合乎常情的家庭剧、爱情故事或者合家欢电影。▲《亲爱的,我把孩子变小了》神奇力量的最大作用,是赋予主人公在现实世界之外的更多可能性,比如可以披上斗篷飞翔在纽约的夜空之上,并通过透视眼看到心爱女人新家的内部装修,或者随意操控时间,扭转生死乾坤,再或者令博物馆里的标本在午夜复活……在美剧《失落的房间》里甚至有一把万能钥匙,用它可以打开任何一扇门,非但如此,经它打开的门背后总是同一时空的另一地点,这种神奇力量不是赐予人的,但它事实上提供了叙事的更多种可能性。神奇力量并不总是令人愉快的,在影片《倒霉鬼》(韦恩·克莱默)里,赌城拉斯维加斯有一个形象猥琐的男人(威廉·梅西),凡他出现的地方一定会给赌客带来“霉运”,因此他被赌场雇佣,以令运气好的顾客转而输钱。这个有关“神奇力量”的创意,能让好莱坞的大多数制片商们气得吐血,因为一般来讲,观众更喜欢看到影片中的主人公获得有价值的超现实力量,从而在观看影片的时候获得平时无法体验的满足感,没有人喜欢看到自己“变得更蠢”。而恰恰因为这样,《倒霉鬼》成为了一个相当精彩的反方向创意。中国古代传说中也有很多这样的神奇力量,比如可以穿墙而过的崂山道士,可以用一只毛笔“制造”实体的神笔马良,可以从贝壳里跑出来操持家务的田螺姑娘,可惜的是,这些古代传说所蕴含的神奇土壤,并没有在当代电影的尴尬环境下创造出更为鲜活的文本,超现实题材在中国显然被人为地扼杀了,以至于很多人误认为中国观众不善于接受超现实题材,但事实上,像《蜘蛛侠》、《哈利·波特》这样的电影,在中国大有市场。第八种创意:正邪逆转2006年,关于正邪逆转最典型的一个例子是惊悚片《水果硬糖》,色情狂在网上寻找猎物,并成功地将又一个少女骗到家里,但故事的走向却令人大感意外,因为这次“绑架”恰恰是这个受害女孩预谋以久的,影片结尾处她已经从一个“猎物”彻底变成了“猎人”。此类创意适用于一部分恐怖惊悚片,它往往在影片的最后部分,将受害者和凶手的对位关系作一个180度大逆转,从而产生惊人效果。▲《水果硬糖》除了《水果硬糖》(狼和小羊的故事),迷你剧集《恐怖电影》第一季第一集也属此类,性感女主角苏珊独自驾车在密林深处的公路上夜行,却遭遇嗜血杀人狂,于是,一个逃命一个追赶,惊险连连。最终,苏珊不断回忆起军人丈夫鲍伯对自己严酷的生存训练,并逐步建立信心,奋起反抗,在密林里设下重重陷阱,杀死了凶徒,而故事的结尾我们却蓦然发现,受害者苏珊深夜驾车行驶在密林深处,其实是为了藏匿汽车后备箱里丈夫鲍伯的尸体……她是一个谋杀者。法国片《高压电》(2004年)也有类似创意,不过其设计更为极端,这里的女受害者和杀人狂是同一个人!她是个人格分裂的女同性恋者!正邪逆转故事必须承担这样一个风险,当受害者摇身一变成为陷阱的制造者,编导必须想尽办法尽快让观众接受这个事实,否则,观众会因为感到自己的道德感受到挑衅,而对影片产生厌恶。聪明的编剧,可不会让自己成为电影里最讨人厌的角色,向来如此。文章来源:导演与制片

  • 手把手教会陈芊芊,什么叫「女尊」神作丨鲜剧

    “我们花垣城向来是女子当家。”“女尊”的故事设定,让左小柚在观看《传闻中的陈芊芊》过程中“爽歪歪”。开头,花垣城恶名昭著的三公主陈芊芊,一袭红衣,当街抢亲。社会我芊姐,这颜值,是粽子形状的发髻和鲶鱼须刘海都无法削弱的美貌。既然抢亲,自然势在必得,看看这是什么虎狼之词。有心疾?要死了?“那还不快趁着还活着赶紧送到我府中去!”在结婚时,男人还必须戴面纱,服侍女人。在花垣城,上至城主,下至百官,都是女性,男性不能读书认字、不能做官。妻子生下了男孩儿,丈夫会受到丈母娘“废物”“绝后”等赤裸裸的攻击。大街上,商贩小哥不小心就被大妈调戏;男性最聚集的地方是教坊司(相当于青楼)和矿场。虽然现在看来,作品通过一种极端的“不平等”,以诙谐、幽默的方式展现“女尊”社会的荒诞,但的确通过这些细节表明了千百年前女性面临的“社会定位低下”“被当做男性的附庸”等问题。尤其对“不识绿茶”这一广大直男迷惑行为,《传闻中的陈芊芊》也带你见识一下“男绿茶”是如何养成的。然而再往下看,似乎哪里有些不对。说好的女尊、女权呢,穿越之后的社会我芊姐,怎么重新开始走“傻白甜”的路线了呢?干啥啥不行,剧情也不按照她的剧本走,一路开挂全靠男主在旁边撑腰。预估后面还有三角恋、姐妹的反目成仇戏码。作为一部杀出来的“黑马”作品,《传闻中的陈芊芊》无疑是成功的,沙雕、轻喜剧包裹的情感内核,让“甜宠”剧边界再拓。然而要说作为“女尊”类作品,对于女权、女性意识的探讨,似乎停留在浅尝辄止、隔靴搔痒的层面,对于“女尊”设定可能带来的荒诞、奇观也未展开,让左小柚觉得意犹未尽。因此,扒出几部“女尊”神作,和大家共享。1、日本大奥系列:宫斗不分男女吃瓜群众对于封建时代宫闱秘史的好奇心可以说是放诸四海而皆准。在选材素来多元化的日剧里,也有着这样一个堪称经典的“宫斗”题材,这就是《大奥》系列,是描述德川幕府将军后宫故事的时代剧,分为《大奥 明治篇/幕末篇》、《大奥 华之乱》、《大奥 第一章》。所谓大奥,也就是“后宫”, 只有将军这一个男人可以进入的大奥,就是一个女人们没有刀光剑影的神秘战场。因为大奥三部曲播出时十分火爆,漫画家吉永史突发奇想,创作出了一部以“男女逆转”的大奥为背景的漫画版《大奥》。而漫画又先后被改编成了电影和电视剧。其中电影《大奥:男女逆转》》又名《女将军与她的三千后宫》最为出名:由于只感染男性的传染病大肆流行,男性人口急骤减少,只有女性人口的四分之一,于是女性成为社会主流,女将军开始统领幕府。而幕府的后宫——大奥则开始招募美男子,为女将军服务……也打开了日本“女尊”作品的序幕。在这部作品中,青年水野为家族地位与恋人分手进宫,成为女将军后宫的一员,也卷入了权力之争。不得不说,性转的方式呈现女子宫斗看点十足。比如烂俗的后宫女性勾心斗角情节,让男演员来演出的时候就有一种新的观赏体验。男主刚进大奥就受到各种欺负,被故意派去松岛送餐,撞破松岛和一美男依偎在一起;将军面见美男们,男人们打扮的花枝招展。将军一出场气场全开,这眼神“霸道女总裁”有没有。先是嘲笑了在场花枝招展的一群男人,正要霸气威武地走过这条长廊时候,不小心踩到了衣服的下摆,差点扑街了。有些人忍不住笑了出来,笑的人是男主身边的红衣男,已经抖得像筛子一样。男主这个时候果断见义勇为,站了出来,说是自己笑的。果然,男主被将军看中侍寝。然而男主此时才被告知,作为将军的第一个男人,侍寝过后是要被秘密处死的,因为他夺取了将军的贞洁。故事的结局,将军放了男主,和心上人团聚,而自己则一心搞事业去了。开发剧系列“大奥”的TBS电视台以此为契机,将“男女逆转”的故事延续下去,采取日+电影联动推出的形式。于2012年推出以第三代将军家光为主角的时代剧《大奥~诞生[有功·家光篇]》。同样改编吉永史漫画作品的《大奥》,讲述在历史架空背景下的日本江户时代,被迫进入大奥成为女将军侧室的僧侣有功,设法维持德川家统治定、守护心爱之人的故事。TV剧刚刚落下帷幕,华丽宏大的电影版《大奥~永远》又隆重登场。主要讲述了德川第五代女将军纲吉为延续德川家族的统治,不得不周旋在形形色色的男人之间,沦为“生育机器”的故事。这部日本电影作品从传统大奥系列剧着重描写宫廷争斗戏的题材中标新立异,描写了一个高傲、任性而又孤独的女将军形象,令观众感受到了完全不同的魅力。至此,女尊、性转大奥系列作品,成为整个大奥系列最离经叛道,也最容易引人深思新的作品。难得的是,日本女尊系列每一部都在一定的历史背景下展开,虽然为虚构,故事细节却真实可考。并且从漫画、剧集、电影全系列开发,形成了IP的合力影响力,让大奥女尊系列的故事在日本影视作品中更加普遍,拓宽了日本文艺作品的类型。2、男版灰姑娘:《女儿国的杰基》《女儿国的杰基》,绝对是一部脑洞电影。此片被誉为A站镇站之宝,全程带感,结局高能,笑到岔气,羞耻到捂脸。片名中的“女儿国”绝不仅仅是《西游记》中的那样,它是女儿国+伊斯兰国+朝鲜国的综合体。在这个叫做"布布恩纳共和国"的国度里,秉持的原则就是女尊男卑,女人可以当国家元首上电视呼风唤雨并且可以控制和发动战争,而男人却只能裹着面纱在家里洗衣做饭,走在大街上都可以被几个小女生在言语上进行挑逗。这群女权在统治的过程中也是将强权进行到底,甚至连国人们吃的饭都是通过一根下水道一样的管道统一发放的。所有男性都想“嫁"给一位名字叫做裤处瑞拉的女性,因为她是独裁者唯一的女儿。其中就包括了一位叫做杰基的20岁的年轻人,他是一个女权统治下典型的“小奶狗"的形象,长相客人,低眉顺眼,看起来让人十分的有扑倒欲。在主角光环的加持下杰基经历了拿到入场券又被人抢走的沦落到亲戚家当牛做马差点失去见到上校的机会之后,终于通过男扮女装的方式站在了上校的身边。就像我们所有人预见的一样,上校在茫茫人海中一眼就相中了历尽千难来到她身边的杰基。然而因为触动强权的杰基被关了起来,为了爱情大义灭亲的上校亲手杀死了自己的母亲独裁者,谋权篡位。顺利的和杰基牵着手过上了幸福的生活。最让人大跌眼镜的是,在故事结尾,杰基和上校双双脱下了衣服,令人惊叹的是上校竟然是男扮女装的一个男人,于是影片成功的从公主驸马爱情片转向了王子奶狗基情片。影片的结尾呢,男人们也获得了接受教育的机会,民众也不用吃不干净的食物,拥有了耕种劳作的权利,皆大欢喜普天同庆。《女儿国的杰基》豆瓣7.6分,因其“女尊”极端设定下,对女权和男权、独裁与民主等多维度议题的探讨,一度成为人们热议的焦点。著名编剧柏邦尼就说,其实这是一部讲独裁的电影;也有网友评论,编剧脑洞确实大,领袖崇拜,愚民政策,女尊男卑等等在荒诞的故事中尽显。无论是大奥系列,还是《女儿国的杰基》,在女尊设定下,都尽显荒诞。但荒诞之外,深层次都是在探讨一些主题。国内“女尊”作品发展的似乎并不顺利,直到《传闻中的陈芊芊》的出现,大多数人才知道这个类型。“女尊”是网络文学小说创作的一个种类型,就是通过作品还原、架空或构建了一个以女为尊的世界。归纳下来,女尊世界有几个类型:母系社会型、女强男弱的现实改进型、男女易位型、女儿国型。也有《太平》《山河赋》《四时花开》《尘沙下的传奇》等圈内代表类型作品。不过国产改编自女尊小说的作品大部分都反响一般。比如2016年的网剧《疯狂天后》,2017年的网大《钟离凰》,2019年的网大《羞答答的铁男》和《花与将》等。《疯狂天后》主要讲述了一位现代女性坠入天河后与女人国国王灵魂交换,面对各色美男丈夫以及宫内的勾心斗角的故事。在剧中男人生孩子,接吻吐珠就怀孕,言情套路满满;《钟离凰》大同小异,女尊外壳下典型的穿越剧。两部作品豆瓣评分分别为4.2分、4.5分。为什么会这样呢?可能与《传闻中的陈芊芊》有同样的软肋。打着“女尊世界”、“性别倒转”等诸多噱头,不仅没有紧抓女尊来发散,反而又回到了那些年我们追过的穿越剧、言情剧的老路子。女尊小说的创作动因是女性对于男尊女卑的男权社会的不满,她们以虚构的女尊世界反讽、反抗男权,其最终诉求是男女的平等,是女性的自主、独立和自由。因此,我们认为合格的女尊影视剧也应不只是以女尊为幌子,更应以进步的女性意识贯穿始终,甚至能够为男女平等提供某种思想资源。比如上文我们讲到的《女儿国的杰基》,在其黄暴又搞笑的背后,其实对当前世界有着深刻的反讽。一是男女专权,二是集权统治。杰基所在的女儿国,从思想到实际行动,都给男人打上了标签。比如男性主动撩妹就是不检点,男性被强暴那肯定是男性先勾引的女人。就算在21世纪的今天,女生被莫名打上“不检点”的标签,女生被强暴后不堪入耳的评论,大家应该见的并不少吧。除了指向男权主义或女权主义外,集权统治也是影片的嘲讽对象。为了防止有异端想法,女儿国连男性衣服都要求统一。为了镇压,动不动动用枪决私刑。种种的反讽,都为影片增加了可看度,也让这部女尊作品,不停留在“女尊”的噱头上。虽然国内外国情相同,艺术作品的创作思路也不尽相同。然而, “女尊”这一本身就充满戏剧冲突的故事设定,对于影视作品来说,优势颇多,尤其《传闻中的陈芊芊》的带动下,未来或许能成为风口。重要的是,或许在猎奇之外,我们也能通过“女尊”作品这一武器,表达点什么、改变点什么。

  • Netflix拍《海贼王》惹“众怒”,漫改真人是个坑?

    文 | 张娜编辑 | 江宇琦向来标榜“出品必精品”的Netflix,最近也难得遭到了观众们的抗议。不久前,经典美剧《越狱》的制作人Marty Adelstein放出消息,称Netflix将拍摄真人版《海贼王》剧集。据悉,该剧集一共有10集,将由曾参与过《神盾局特工》等漫威剧集编剧工作的Matt Owens担任主要编剧,并会和《海贼王》原著作者尾田荣一郎进行紧密地合作,其制作规模也会超越TNT的剧版《雪国列车》。然而这种“神仙配置”并没能让网友们买单。消息一出,立刻在互联网上引发“众怒”,许多网友纷纷表示“虽然很相信Netflix,但没有必要毁原著”、“求放过”,甚至也有网友直言:“目前欧美翻拍日本动画真人版,几乎就没有拍得好的。”这种质疑并非毫无根据。新世纪以来,日本动漫IP在美国影视化的案例中,无论是2009年的《七龙珠》、2017年的《死亡笔记》等作品的“探索”,还是此后上映的《攻壳机动队》《阿丽塔:战斗天使》等大制作,这些漫改电影要么褒贬不一,要么“一烂到底”,违和感、人物形象塑造失败等,都常为人所诟病。网友对《阿丽塔:战斗天使》的评价可与此同时,美国本土的漫改产业却是蒸蒸日上。过去的二十年里,从早期二十世纪福克斯的《X战警》和索尼的《蜘蛛侠》,到而后华纳与DC的“黑暗骑士三部曲”,再到如今席卷全球的“漫威宇宙”与各类衍生剧,美漫借助大银幕和小荧屏,正逐渐焕发出新的生机。同样是漫改,为何成败差异如此之大?有相关从业者向毒眸解释,漫改影视中出现成功和失败的案例都十分正常,只不过不同国家在面对动漫IP时,所处的文化环境、处理的方式不同,导致最终呈现的结果上也有所差异。因此直到今天,业内对漫改作品也依旧没有一条通用的成功法则和公式,这也让漫改真人版影视剧相比于其他原创剧本,有着更多的未知性和翻车的机率。但即便如此,漫改真人版作为动漫产业链中的重要一环,且在原作的基础上,已经具备了一定的认知度和热度,而天马行空的剧情构设也正在吸引着不同的入局者。因此尽管现阶段漫改仍然是一门“不确定性较强“的生意,但注定会有越来越多人前赴后继地投身其中。漫改电影,中日美“共同的难题”?粉丝们对美国公司改编《海贼王》保持“警觉”,并不是没有原因的。2009年,二十世纪福克斯斥资3000万美元,开发了真人版的漫改作品《七龙珠》,并邀请到周星驰担任制片、周润发出演龟仙人,原作者鸟山明也参与到了剧本创作当中。结果这部备受期待的作品,既没有拍出原著中的精髓,也没有讲出一个足够好的新故事,而是弄了个四不像、烂得一塌糊涂——目前该片在豆瓣上只有3.7分,而IMDb也只有2.5分,迄今为止仍被视作是毁童年的“典范”之一。毁童年的《七龙珠》《七龙珠》之后,一些原计划上马的日漫真人翻拍也因此而被搁置。直到2017年,Netflix才再度选择挑战翻拍了日漫中的经典之作《死亡笔记》。然而从烂番茄26%的观众喜爱度、IMDb4.7的评分、豆瓣4.1的评分来看,这一次的日漫IP的影视化尝试依旧不尽如人意。除了片方启用黑人演员饰演原作中的L之外,Netflix版《死亡笔记》更改了故事的发展线,使得人物性格也与原作大有出入,进而被很多网友评价为“最砸Netflix招牌的作品”之一。同一年,由派拉蒙影业出品、斯嘉丽·约翰逊主演的《攻壳机动队》在全球上映。相比于之前一些漫改片的一扑到底,这部目前豆瓣评分6.4分的影片还算中规中矩。有观众认为,片中的意识形态太过于好莱坞主流类型片,是一部“没有真正精神内核的中空故事”;但也有粉丝选择“降低标准”,认为相比于以往的日漫改编作品,此次的画风和视效形式已经保留了原著的部分元素,至少是合格了。《攻壳机动队》“漫威系列的真人版影视之所以能够在美国市场中备受喜爱,原因在于超级英雄IP属于三次元作品,符合美国主流的文化价值观——即主角在剧中进行自我救赎,用美式个人英雄主义拯救世界。”一些从业者称,文化理解上的分歧,成为了美国在日漫IP改编上的主要问题,因为拿捏不好改编的尺度,故而导致日漫和美漫的改编很容易产生不同的结果。其实不仅仅是美国,即使是同属东亚文化圈的中国,也因为拿捏不好改编的尺度,在日漫的真人化上也是屡屡翻车。2008年,内地翻拍的热血体育题材的《网球王子》,目前豆瓣评分5.5分;2018年后,内地多家公司又购入大量日漫IP,并再次翻拍了《花样男子》《一吻定情》等经典爱情动漫IP,但都被认作在感情表达上过于刻意,本土化不够成功,豆瓣评分均低于5分……如此来看,中国漫改翻车的原因也和美国不同,不是“改得太多”,很多时候反倒是因为缺失本土化处理、不够接地气。比如2017年由黄磊主演的《深夜食堂》,直接生搬硬套一些日漫中的情节和场景设定,进而被众多观众评价为“惨不忍睹”、“过于生硬”,豆瓣评分也只停留在了2.8分。黄磊主演的《深夜食堂》豆瓣评分2.8分而在本土IP方面,近年来伴随着国内动漫产业的发展,一些国漫IP的强势崛起,也有类似于《快把我哥带走》这样较为成功的国产漫改作品的出现(票房3.7亿,豆瓣评分6.9)。但遗憾的是,这类成功案例目前还相对较少,能做到真正出圈的漫改真人版更是凤毛麟角。“国内没有能够支撑起漫改的独立市场。”一位动漫从业者向毒眸表示,目前国内的漫改剧中,同样是所谓的三次元(以韩漫中的爱情漫画、少女漫画为主)改编成功的几率较高。“因为这些漫改的场景和叙事与现实生活相通,但只要是有厚重次元壁的、有大量特效的漫改,出来的效果都不太行。”中美漫改屡受争议的情况下,作为很多知名IP“发源地”的日本,在浓厚的二次元文化沉淀和相对成熟的产业支持下,漫改成绩的确要相对出众一些——自从1987年出现了日本影史第一个漫改真人系列《比波普高校》后,漫改作品已经成为日本影视产业里十分重要的部分。剧集领域里,既有《花样男子》《一吻定情》《东京爱情故事》《交响情人梦》等火遍亚洲的经典爱情剧集,也有青春、搞笑题材的《龙樱》《我是大哥大》《网球王子》等,而在日本娱乐文化中占据着重要地位的推理悬疑,也借由《金田一少年事件簿》等实现了剧集和动漫的成功“打通”。《我是大哥大》而在电影领域里,早年间上映的《NANA》《死亡笔记》等热门漫改电影,都曾在本土收获了超过40亿日元的票房成绩,打破了以往“卖座的漫改电影基本是电视剧的剧场版”的状况,也再次带动了漫改真人版的翻拍热潮。近年来,《银魂》《寄生兽》等题材也都先后上马,取得过不错的成绩。但即便有这些佳作频出,日本漫改的翻车案例也同样不在少数。比如2014年上映的《我的朋友很少》、2015年上映的《进击的巨人》,正是由于片中的一些改编和架设与原著差距较大,被网友评价为“通过影片深深感受到二次元和三次元的巨大鸿沟”。因此哪怕放在日本,“漫改真人版”也同样有一个充满“不确定性”的标签,总体来说成功率也并不算太高。《进击的巨人》剧照“相对而言,日本漫改市场已经比较细分,有少女爱情漫,也有科幻类。且片方在处理漫改剧上已经相对轻车熟路,所以成功率会相对较高。”一位业内人士告诉毒眸,和其他国家相比,日本漫改在理解理念上和创作基础上已经有了一些优势。而之所以还会出现口碑“冰火两重天”的现象,还是主要集中在题材选择、次元感处理等问题上——和中、美两国遇到的情况一样,偏向三次元、现实题材的作品,漫改起来都会比较容易成功。比如最近几年比较火爆且容易出圈的《将恋爱进行到底》等都市爱情题材作品,以及《金田一少年事件簿》等偏向现实主义题材的漫改作品,都是由于在改编上没有次元壁的束缚,和现实世界有着直接联系,因此改编难度也并不大。反之,一些非偏向三次元的IP,翻车的可能性就会大大提升——即使是日本也不例外。漫改真人版的痛点在哪?为什么一旦脱离了“现实”,漫改真人版就成了个各国都容易栽跟头的“大坑”?首先不论是业内人还是粉丝群体,对于漫改影视作品,最大的担忧集中在“抽象的漫画形象如何转换为三次元的画风上”。有参与过多部漫改作品的从业者向毒眸介绍,当制作方在面对一个IP时,为了减少次元壁带来的违和感,最基本的操作是要确定一个形式的主基调,即是采用拟真的大场面大制作、还是嵌入漫画的二次元表现形式。现实题材的漫画可以直接套进生活里,但在非现实题材的漫画改编上,则需要主创团队的反复思考和摸索。以《攻壳机动队》为例的机器人科幻类的IP,可以在制作上对标赛博朋克的表现形式,那么《秦时明月》等少年武侠类的IP,也可以沿袭传统武侠影视表现形式等。如果能够找准这种比较好“三次元化”的“主基调”,则有机会减少所谓的违和感,反之则很容易画虎不成反类犬。陆毅、陈妍希主演的《秦时明月》(图源见水印)而在表现形式上保持统一的节奏后,内容改编也要尊重IP的创作原理。一方面,需要贴合原著的漫画人物,并按照影视化的模式将剧情、台词、人物造型等进行适当修改。比如有的漫画台词和人物表现会比较夸张中二,《灌篮高手》里樱木花道的吃惊表情、《海贼王》中路飞吃饭时的样子等,如果被一味照搬到影视剧中放大后,只会让人觉得违和感十足。另一方面,在内容选取上需要思考动漫IP的类型定位。“定位为灾难片,就不要强加爱情元素,讲爱情故事就不要增加战争打斗的戏份元素。”某动画编剧告诉毒眸,在漫改IP的内容呈现上,虽然平衡动漫原著和影视感,已成为了制作方以往头疼的问题之一,但一定要在尊重原著的基础上再进行二次创作,而不是随意增添剧情线。2015年上映的《进击的巨人真人版:前篇》里,就有加入了大量爱情线和暧昧元素,而被粉丝批评为“进击的三角恋”,女主设定的改动更是引发了大批粉丝的不满。而在2017年日本媒体做的一次调查显示,“改变原作的设定或故事”是漫改真人版最容易让人感觉不爽的地方。这点在文字IP的改编上同样适用,去年改编自网络小说《全职高手》的同名剧,就因为没有像很多同类作品一样强加爱情线,而受到不少粉丝的认可。《全职高手》中杨洋主演的叶修片方如果能在开拍前就确定内容和形式的定位,基本上就能保证作品不至于太“毁原著”,但想要出彩还有很多需要去主动调整的地方。最简单的一点在于,无论是以杂志分版为主的日漫、还是以条漫居多的韩漫,大多都没有景深、没有场面调度、没有影视化的镜头。这也意味着,漫改真人版需要重新根据漫画绘制分镜头脚本,在某种程度上相当于主创团队对于原作进行重新理解和想象,实现二次创作。此外,如果说拍摄镜头和场景的筹备,是一部作品的画面基础,那么后期制作的特效,往往才决定能否帮助作品进行锦上添花——对于漫画的粉丝们而言,在二次元世界里可以天马行空地架构新的世界,借助科幻和神话等超现实元素的杂糅,尽可能地释放出人类的想象力。因此在真人版漫改过程中,要将一些虚幻的场景拍到实处,特效就成为了辅佐漫画落地的重要工具。毒眸发现,在中美日多国翻拍的作品中,因为特效被人诟病的案例不再少数,比如真人版《七龙珠》就曾因廉价的特效被无数观众抨击。但好在随着技术的进步,想要实现这些特效,难度也在大大降低,这也是近年来成功的真人“热血漫”作品数量在上升的重要原因之一。“五毛钱特效”的《七龙珠》由此看来,漫改真人版虽说是“改编”,但其创作难度并不比重新开发一个新故事小,因此有从业者向毒眸直言,很多时候“漫改就是个坑”。但由于动漫IP经过了一轮市场和观众的验证,无论是在剧情还是人物角色上,都已经具有了一定的认知度和粉丝群体,漫改真人版在开拍之前就已经能在热度和话题上进行蓄能。况且在成熟动漫的IP产业的开发路径中,主打的本就是一条从二次元到三次元的全产业链条,而漫改真人版虽然是整个IP产业里下游环节,但却是产业里能放大IP影响力和形成破圈势力的重要一环,从产业的角度来说也极具吸引力。因此即便是一个不小的挑战,也依然有从业者愿意去进行尝试。“对于漫改来说,好玩点不就是在于有挑战吗?”一位从业者在采访的最后这样向毒眸表示。

  • 恐怖电影常见光法:如何透过灯光营造角色邪恶形象?

    拍摄电影时,为表现剧中角色的邪恶形象,制作团队除了以面具、特效化妆等方式呈现怪异外观外,也经常会透过“灯光”的变化,模糊或扭曲人物脸部,使其看起来更诡异,营造出骇人的恐怖氛围。资深摄影师 Rubidium Wu 分享了恐怖电影常见的几种照明方法,透过这些光影技术,更能呈现角色的邪恶外观:• 底光:从脸部底部由下往上照明• 顶光:从顶部照明,在脸部创造出宛如“骷髅”的效果• 剪影:在拍摄对象身后照明,使他们完全处于阴影中01 唤醒内心的恐惧—— 非人化、死亡和扭曲“恐惧是人最自然的本能之一。我们害怕我们不了解的东西。”—— Brogan O’Callaghan 《Shadows in Horror Films: Fear of the Unknown》为什么电影中许多恶棍都会带着面具或口罩?为什么小丑这么吓人?为什么苍白的脸会使我们感到恐惧?人们容易因为未知的事物感到害怕,而透过面具或苍白妆容,更能让观众认知到角色可能并非一般常人的事实。眼睛是灵魂之窗,当我们看见他人双眼可以评估他们是否为善类或恶类,以及其威胁程度。而当脸部被遮掩起来时,很难判定人物是否会构成危险,从而产生焦虑与恐惧心理。 象征死亡的颜色:苍白、红色与绿色什么颜色会让你想起死亡、恐惧和危险?通常红色会让你联想到爱与热情,但它同时也是血液、警告标志、火和地狱的象征。电影中时常可见到人物出现在红色的灯光下,借此呈现他们嗜血、危险的恐怖形象;另外,绿色也能表现嫉妒、疾病和贪婪的一面。为表现此种阴森的绿光,可以将绿色的滤色片结合照明技术使用,营造人物诡谲、不安的氛围。02 恐怖电影中常见的 8 种怪异照明技术• 照明 Uplighting• 剪影 Silhouette• 聚光灯 Spotlighting• 曝光不足 Underexposure• 刺眼的灯光(强光,明暗对比)Harsh light• 阴影投射 Prominent and projected shadows• 透过实物拍摄(如窗户)Shooting through objects• 透过元素拍摄 Shooting through elements03 善用阴影变化,增添观众的想像力尽管恐怖电影的内容日新月异,但引发恐惧心理的摄影技术却大同小异。从小当我们在讲鬼故事时,就知道用手电筒照亮自己的下巴可以吓人,而在老式恐怖电影中也经常可见这种方式。现代恐怖电影制作人更善用不同手法,使光线变得更加微妙、诡谲,不再只是无聊且过时的手电筒照明。遮挡光线 Obscuring through lighting如聚光灯、曝光不足与刺眼灯光,以及透过实物或元素的拍摄等,这些方法不会扭曲被摄物,而是掩盖或隐藏它们。尽管你看得见影像中的某些画面,但却无法看见全貌,这会增添神秘感,使观众感到紧张、营造悬念。 2015 年《吵闹鬼》(Poltergeist)利用聚光灯技术吸引了小丑的注意。灯光失真 Distorting through lighting而像是照明、剪影和阴影投射等,则能完全与真实世界脱离,借由灯光变化让画面失真。对观众来说,剪影可以增加角色的扭曲程度,无法提供观看者所需要的足够讯息,例如面部特征、服装等。采用阴影投射时,扭曲变形的程度会更加严重,提升人们面对未知的恐怖心理。1960 年《惊魂记》(Psycho)的经典淋浴场景,我们知道有人在挥舞着一把刀,却无法得知它是谁或什么东西,增添神秘、恐怖氛围。1922 年《吸血鬼》(Nosferatu)具有恐怖电影史上最著名的剪影。灯光闪烁 Light Flashes有时当影像持续闪烁灯光时,也会使观众感到困惑。而当光的间隔和频率短且不规则时,人们也会开始对所看到的角色感到不安。“电影制片人经常使用阴影,因为人们的联想力会使恐惧极大化。” — Brogan O‘Callaghan归根究底,以上所有照明技术皆是操纵阴影的一种方式。部落客 Brogan O’Callaghan 曾发表了一篇解释恐怖电影制作人这样做的目的,他曾说:“阴影只会使我们对事物的本质有所扭曲,导演利用阴影来操纵对未知的恐惧。如果电影必须创造一个骇人的怪物,那么他们必须将不惧怕该怪物的观众区隔开来。这是一种引起恐惧最简单而高效的方法。”因此下次当你试着自己制作恐怖电影时,请记住,吓观众不全然是你的首要任务,若采用合适的照明方法,也能成功营造悬念与恐怖氛围,观众最终也会自己吓到自己。

  • 干货|导演和制片是如何判断,及选择剧本的?

    导演和制片人如何选择剧本1、从选题上看是不是目前所需要的类型。如电影、电视剧动作、儿童、喜剧、犯罪等类型片每个类型片都有其自身的类型写作模式,好莱坞已经帮我们做了分析大家上网查查就知道了。要不就自己集中看同一类型的影片做笔记很快就能找出它的固有模式。2、类型确定后具体分析剧本要素:选题的新鲜和独特性情节/故事线/故事有明确的“钩子”强烈的节奏控制(事件频率和间隔)人物主人公有明确的内在和外在目标有强大的反对力量和主人公对抗主人公的追求让你看90分钟而不厌主人公有明显的弧线(变化)辅助人物提升故事的总体价值主人公是三维人物并且有缺陷不同人物有不同的价值观人物有丰富完整的前史大反派有明确的目标和动机台词每个人物的台词都有自己的个性结构副线故事和主线故事相辅相成铺垫明确为影片建立了色调和目的每一场戏都具有功能/支持剧情发展每场戏的过度都恰到好处影片大高潮值得期待激励事件为故事提供了足够驱动力戏剧张力的建立和释放张弛有度人物处置符合晚进早出原则影像/视觉风格拥有视觉上抓人的开篇/高调的开头剧本为视觉惊艳提供了空间和可能以上这些看似生硬的概念其实在看剧本的同时大脑会根据长期积累的经验自然形成画面和节奏,就是文字到视觉的一个转换,读完剧本就像看了一遍电影。(把它像概念一样列出来是为了让作者更直观的了解选剧本的要素)3、可行性预演根据第二步就已经可以找出能做为备选的剧本了。但因为国内作者多的对预算没有概念,写剧本也没有针对性,如:100多万,300-500万,500-1000万,千万以上,三、五千万,上亿等。所以我会对剧本进行可行性评估,就是拍摄周期和预算。主要分析对象:剧中场景是否集中:有些剧本场景写的很散场景越多费用越多,合理合并场景是必要的。场景情况:实景还是搭景,豪华酒店和饭店预算绝对不同,有些剧本写些不切实际的场景很头疼。场景设置:香港、外国等这样的设定在没有任何赞助和关系的情况下基本上千万了。演员数量:动不动就出来一个配角费用也相应的会增加,合理的合并角色剧情更紧凑也省钱。拍摄难度:动作、枪战、打斗、爆破、追车等。这些从摄影设备到人员都是很大的费用,拍摄时间也会增加动物和小孩。拍摄时间会大大增加,拍摄难度是上面的还麻烦。道具量:主要是车辆的多少和牌子特殊服装:太空服、潜水等化妆:例如易容,这是很讨厌的东西。要么多个演员,要么花钱做面具。年代:古装、年代戏这些在场景、服化道等方面的费用一般都会高于现代戏。日、夜、内、外的分部情况:这些关系到拍摄进度的安排,外景多群众演员就多,维护治安的费用人员就多。季节:下雨、下雪,大风等这些需要专门的设备或人员。剧本长度:电视电影一般60分钟、院线现在基本120分钟左右。电视剧45分钟一集。电影剧本一般3500字以上,平均一场戏按一分钟算一个电影剧本(包括电视电影)在120场左右。我一般不按字数看剧本,按剧本类型判断,动作类节奏要快场次也相应会多些,动作场面两三场可能才一分多钟。喜剧类演员台词速度会比较快,节奏也相较于其他类型片要快,场次也相应要多些。惊悚、犯罪类可以通过特写、人物画面来营造气氛(视剧本而定)节奏较动作、喜剧类会慢些。以此类推。以上这些在第二步看剧本时也有了一个大致快速的表格分析了。所以第二步和第三步基本是同步在大脑中进行的。一般情况下完成第三步没有大问题的剧本我就会问作者剧本的价格了。特殊选题除外:如警匪剧、军队、法律、金融、医疗、教育类。尤其警匪、军队类我们会先找从事相关职业的人员看看剧本中涉及到的剧情、对白是否准确适当,如在关键剧情上有重大错误,很难修改的话就只能放弃了。所以剧本的选用是很复杂的,能满足以上三点的剧本是很少的,对新人和年轻的作者更是很难。所以依据以上三点,选择完成度高和可修改性强的剧本是我的重点,这也会花费更多的时间和精力。这不是找个年轻的小编就能完成的,没有制作经验的话会错失很多可修改的半成品。以上是针对完成本,只看大纲是无法做出如此详细的判断的,当然有些只看大纲就知道不可行的也就不用看全剧本了剧本创作的那些事态度 ( attitude)写故事最重要的是对故事的态度,不同的态度会产生不同的效果。举一个简单的例子,同样是写一个青楼女子的故事,如果作者是以一个淫秽、色情的态度去写,故事自然集中於男女之间欢爱的部份。相反,如果作者是以一个同情、尊重的态度去写,故事便会集中於描写青楼女子被迫卖身,身不由己的可怜、无奈……主题 ( Theme )在下笔写故事之前,你必须要问自己:你要讲一个怎样的故事?是朋友之间的友情(如电影午夜牛朗-midnight cow boy),男女之间的爱情(铁达尼号-Titanic),外星人入侵地球的故事(天煞地球反击战),还是一个控诉战争的故事(杀戮战场-platon)等。这就是主题。主题必须十分明确、贯彻、毫不怀疑。你不能写一套战争片段,一时就怀疑战争,一时就歌颂战争。主题有如一支指南针,它会引导你创作故事,和贯穿故事中的枝节。而最重要的是它能避免你在写作中偏离主道。试举一例,清朝皇帝雍正在野史是一个杀弟、杀父夺位,强奸弟弟妻子的禽兽。但在雍正皇朝(早期亚视播出的电视剧)作者笔下的雍正,却是一个好皇帝。因为作者的主题是要写一个好皇帝,所以在故事中只会见到雍正彻夜不眠批奏章、视察农民、减税、推行德政等场面,并没有杀弟、杀父等场面。所以,一套成功的剧本是要让观众看完後,清楚明白作者想表达的思想和主题。创造角色冲突 ( character conflict )角色冲突是吸引观众的不二法门。这包括故事角色和角色之间的冲突,角色和他自身价值观的冲突等。创造角色冲突的方法:方法一: Potogonist Vs Antogonist故事里的人物想做一些事,但有一股力量抗衡他,这就是Potogonist /Antogonist,例如电影怒火风暴(Falling Down)故事中,主角刚刚经历完痛苦的劳狱生涯,当他出狱时,他一心想见回自己的妻子,重过正常人的生活(Potogonist,他想追求的事)。但他的妻子逃避他,不认他,而四周的人也因他的犯罪纪录而歧视他(Antogonist,阻止他达到目的的力量)。方法二:不能分解的关系 ( unbreakable bonding )当角色和角色之间存在冲突,而且有一个不能分开的结把他们拉在一起,好戏便来了。举一个简单的例子,男主角的妻子是个三姑六婆、八卦的女人,而男主角的母亲则是个守礼节的传统妇女。因为环境的因素,主角和他的妻子必须搬进家里和妈妈一起住。试想两个完全冲突的人:媳妇和奶奶被一个 unbreakable bond 拉在一起时,会是怎样。创造表面张力 ( create dramatic tension )怎样能够创造一个紧张的场面呢?方法一:让你的观众知道一些事而故事中的角色是不知道的例如故事中的主角闯进了敌人的基地,有支枪在黑暗处伸出来瞄准著他(观众知道但主角不知道),敌人就快要开枪了,观众也为主角担心。方法二:让你的观众感到故事中的角色是走在一条错误的路上主角的母亲病了,他全身家只有一百元,於是他便去睹场碰碰运气。很好运地,主角不停地赢钱,已有几千元,有足够的医药费了。但他竟然贪胜不知输,继续赌下去,结果输了一局又一局(观众已知他已走在一条错误的路上)。最後连手上的一百元也输了,竟然还去问大耳窿借钱(他用错误的方法企图达到目的)。方法三:时间限制 (deadline)故事中某些事件若存著时间的限制,或计时炸弹,能够给观众一股紧张的情绪,并且这股紧张情绪能维持一段长时间。还有十二个小时,陨石便会撞击地球,地球上超过一半的生物会死亡。(电影--陨石撞地球) 这辆巴士必须维持在时速一百二十公理,否则车上的炸弹便会爆炸。(电影--生死时速)方法四:转捩点 (Turning Point)使用转捩点能制造意外的效果,引起观众的预期心理,加强情节张力,从而持续观众对故事的兴趣。转捩点最常出现於故事的前段和後段。剧本前段的转捩点一般用於开启故事和陈列出主角即将面临的各项选择。至於後段的转捩点则指向主角解决危机,收拢故事。例如著名电影「生於七月四日」(Born on the fourth of July),主角在故事开始面临第一个转捩点:是否要参加越战。主角最後选择参战,走上战场。但好景不常,在战争中主角被打破了双脚,要终生坐轮椅。原本爱国主战的他经历了多件事件後,改变了他的想法。导致故事结局出现了很出人意表的转捩点,他由主战派变成反战派,从而带出反战的主题。伏笔 (Planting)相信有作文的人都会知道什麼叫做伏笔吧!埋下伏线可以吸引观众追看剧情。例如在电影心计中,主角汤美一早便表露了他有模仿人签名和行为的能力(伏线),到故事发展到他杀了有钱人迪奇後,观众凭藉伏线已经估到主角会假冒迪奇。关键匙 (Payoff )所谓 Payoff,就是最能象徵整个故事的物件。例如在电影”Apartment”中,那条门匙就是Payoff。又如著名电影「舒特拉的名单」中,那张犹太人的名单也是Payoff。蒙太奇 (montage)有两个画面,梅花间竹地播出,这就是蒙太奇。例如在电影教父中,画面一边播出教会里正在举行的神圣仪式,如神父替孩子洗礼,向天主祈祷等。但另一边画面却转接地播出教会中邪恶的一面,例如教会中的领袖为求夺权,去反对他的人的住所,不停地大开杀戒。蒙太奇亦可以指一些不同而没有关系的画面,当他们剪接在一起的时候,会产生另一种意义,简单来说,如第一画面中有一只手正在投球,而另一画面是另外一只手接到一个球,然而球不见得是同一个,但当两个画面前在一起的时候,就是一个人把球投给另外一个人,注意/若中间再加入另外的画面,这意思就完全不一样了!本文来源:电影制片人

  • 追逐记忆中的那道光丨肯尼亚电影摄影师创作回访

    伙计们,今天为大家带来的是一部微电影《A BOY AND A BEARING》的创作采访。Philemon Makini 纽约电影摄影师我是一个纽约电影制作人,专业是电影拍摄和剪辑,我也喜欢调色和动画设计。我来自肯尼亚内罗毕,这也是我为什么要拍这部影片的原因。Q1. 这部电影的主题是什么?想告诉观众什么?或者说您想通过这部电影表达什么?Phil:主角是一个有自己远大梦想但出身清贫的小男孩,主题由小男孩内心的梦想和现实强烈的冲突所主导。他想探索更广阔的的世界,但周围的大环境要求他必须努力学习,才有一线可能让家人摆脱贫困。我在打光里诠释了这种矛盾:蓝色光代表屋外蓝夜上的月光,橙光代表屋内贫困而极为微弱的灯光,这种配色方案的灵感来自小时候我经历的缺电,室内的黑暗更加迫使屋内的他去屋外寻找月光象征的自由和光明。Q2. 可以分享一下电影的故事主线吗?Phil:这个故事的主人公是一个内心渴望探险的男孩。他想探索更广阔的的世界,但他的母亲想让他努力学习,把他严锁在家里。小男孩唯一的逃脱现实方式就是看藏在床下的一本风景杂志。每当翻开杂志,他都在幻想着终有一天能征服这些风景。母亲发现他看杂志不专心读书极度生气,拿走了杂志。同时也摧毁了他的幻想。后来他长大了,虽然儿时的幻想被破灭,但心里对世界的热爱和好奇仍然促使他不断探索,是内心这团不灭的好奇和进取,让他变得热爱探索而与众不同;越是探索世界,男孩越能不断地锻造和成就出一个更好的自己。Q3. 我们发现您的电影特别温柔感人,能分享一下拍摄技巧或场景搭建经验吗?Phil:电影的气氛和场景设置在吸引观众并将其代入角色的过程中起着非常重要的作用。正如上文提及的,室内室外冷暖的对比,明弱的对比,室内环境的贫困黯淡,小男孩阅读时因光太弱而困难地揉眼,这些细节激发了观众对角色的同情,达到画面和观众的共情,故事便更好进行推进了。Q4. Dzofilm 20-70在拍摄过程中表现如何?有什么特别印象深刻的吗?Phil:这部电影中我们得到的最多评论是:从男孩手中的轴承环到月亮的焦点变换镜头,竟然感受不到任何呼吸效应。这款镜头真是这部独立电影制作的理想的工具。我去非洲旅行因为有重量限制,只能带一支镜头。 因此,携带轻巧的电影变焦镜头是我做出的最佳决定。 我也很喜欢镜头的密封性,当我进行户外拍摄时,雨水并没有给我们的拍摄造成困扰。轻巧便携理想组合小编碎碎念:雨水会影响镜头成像质量,导致部分金属生锈。使用过程中要注意保持镜头干燥哦!相机也是哦!还有一点,也是很重要的一点,可以看见在我的短片里,暗光拍摄是主调,主角小男孩是非洲当地人,但玲珑镜头在这样的暗光条件下,肤色质感还原,环境暗部细节的层次感还是体现出来了,这对环境氛围营造和情节推进起着很重要的作用。Q5. 对一部好电影来说什么才是最重要的?Phil :当然是好光,好镜头还有好故事。完整版观看地址:https://vimeo.com/390420220-END-Ps: 可以加DZOfilm小姐姐微信了哦:dzofilm!欢迎来撩~往期回顾-美妆光影记事 | DZOFILM&植村秀美妆-DZOFILM电影镜头用户报告 - BlackRay-甲方一句话乙方想破头之“缩小同时放大”-油管大神Tom Antos眼中的DZOFILM玲珑20-70-灵感发现 | DZOFILM电影镜头 - 意大利MV拍摄心得

  • We Are One 全球线上电影节来啦,百部影片免费看!

    疫情隔离了病毒,但不能隔离电影。受到疫情的影响,今年线下电影节已经无奈停摆,好在线上影展的出现,让一些精彩的作品能以另一种形式出现在我们面前。北京时间5月29日晚19:00点起,由翠贝卡电影节和YouTube联合主办,并得到多个大型电影节支持的全球首个线上电影节“We Are One: A Global Film Festival”正式上线。此次的电影节活动从5月29日开始到6月7日结束,在10天的时间内将会一百多部影片免费展映。其中包括故事长片、短片、纪录片和一部分电影的首映,以及之前各大电影节的电影大师对谈实录。具体的时间表,大家复制这个链接查看:http://www.weareoneglobalfestival.com/schedule影片阵容来自世界各地的21个最具影响力的电影节,其中包括戛纳、威尼斯、柏林、东京、安讷西、圣丹斯、鹿特丹等等。虽然是免费的电影节,但是本次策划所筹集到的所有款项也将用于COVID-19相关的救援治疗工作。是不是特别有意义,感兴趣的小伙伴,赶快关注起来!留学生可接触到的电影节资源虽然线上电影节能让一些精彩的影片得到当之无愧的认可,也能让一些沧海遗珠不被历史蒙尘。但是这始终不能替代参加线下影展时,大家能体验到的热情和活力。这恰恰是海外学习电影的好处之一,学生在学习期间能参加所在城市及周边地区,大大小小不计其数的电影节。有了学生的身份,在导师的帮助下,你除了可以作为观影者在几天时间内完全沉浸在电影的世界中,还可以做为志愿者与来自世界的电影人产生交集。【1】美国电影节纽约有很多独立的影院,除了可以观赏到欧洲电影节的作品,这里还会放映一些被修复的经典老片。更重要的是,在纽约这里有成百上千个电影节。纽约翠贝卡电影节翠贝卡电影节诞生于“911”恐袭之后的2002年,电影节的使命是通过电影、音乐的文化年度庆典,促进曼哈顿下城的经济和文化复兴。近年来,翠贝卡电影节也在不断与时俱进探索新的叙事艺术表达形式,比如设立独立的VR影片单元。这使得该电影节已经发展成为美国最大的虚拟现实和其他形式的互动故事讲述活动之一。VR影片《Ferenj: A Graphic Memoir in VR 》截图翠贝卡电影节在每年的4月举行,今年刚好和疫情撞个满怀。于是“延期”,“线上”就成了本届翠贝卡电影节的关键词:- 4月17日至4月25日,在 Oculus TV 上播放 19 部 VR 电影,其中 10 部是全球首映。- 5月3日至5月18日,联合 AT&T在Facebook上展开一系列与电影幕后制作人、演员的访谈节目。- 5月29日至6月7日,和YouTube联合主办全球首个线上电影节“We Are One: A Global Film Festival”。纽约电影节纽约电影节始于1963年,号称是最前卫的电影节,早在1996年纽约电影节就开辟了一个电影前卫短片展,专门放映最新的先锋派电影。受到疫情的冲击,今年的影展注定会与众不同。2020年第58届纽约电影节将采取线上和线下相结合的方式举办,时间为9月25日——10月11日。主办方说,这是在确保嘉宾安全健康和保持电影节传统之间最好的解决方式。除了纽约,美国影视院校还集中在加州。这里除了有星光熠熠的好莱坞,随处可见的名人名流,还有许多明星和一线导演都会亲临现场的电影节。除了举世瞩目的奥斯卡,圣巴巴拉国际电影节、棕榈泉国际电影节、洛杉矶电影节都是电影人的国际盛会。如果你在克萨斯州的克萨斯大学奥斯汀分校(UT-Austin)读书,UT-Austin所在的奥斯汀市在每年3月,会迎来西南偏南电影节,这也是世界规模最大的音乐电影艺术文化节。当然这座城市也有自己的电影节——奥斯汀电影节,该电影节以专注于剧本竞赛而闻名,被誉为美国最有影响力的6大剧本竞赛电影节。【2】英国电影节英国也是影视留学的一大目的,同样这里每年在全国各地也都会举办电影节。伦敦电影节伦敦电影节(London Film Festival)始于1953年。由英国电影协会(BFI)在每年的10月下旬举行,是英国最大的电影活动,每年评选全世界近50个国家的300部影片,包括纪录片与短片。伦敦电影节有专门对于25岁以下学生计划,及门票低至5英镑,还会提供100多个免费活动。英国瑞丹斯电影节英国瑞丹斯电影节(Raindance Film Festival),于1992年正式成立,总部坐落于英国伦敦,是一个拥有20多年历史的老牌欧洲电影节。被《Variety》杂志列为世界50大不可错过的影展之一。每届瑞丹斯电影节在每年9月到10月举办,为期12天,地点在英国伦敦中心。期间将会评选出“最佳国际影片”和“最佳英国影片”两大奖项,同时公映大量的创新性先锋派影片。而且瑞丹斯本身就有自己的电影培训学校,全年会提供专业的电影培训课程,以及夜间和周末电影培训短期项目。除了影视院校密集的伦敦,你还可以选择利兹,这里有三所专门设置电影系的大学,以及活跃的电影社团和个人组织的电影活动。这里每年会举办三场电影节,分别是受奥斯卡奖以及BAFTAs的认可的利兹国际电影节;英国最大的家庭电影盛会,利兹青年电影节;以及独立导演电影节。这些电影学院帮你直通奥斯卡不甘心只是作为一名观影者,而是想让自己的作品被更多的人看到?那最好的方法是在学生时代就参加一些针对青年人的电影节。学生奥斯卡就是每年全球电影学子角逐的盛事。学生奥斯卡奖成立于1972年,旨在为全球电影新人提供一个展示自己作品的平台,奖项评委来自奥斯卡评审委员会。所以这是美国电影教育界最重要的奖项,代表美国学生电影作品的最高荣誉。【1】培养了最多奥斯卡得主的院校美国好莱坞新闻杂志wrap就统计了,从1972年学生奥斯卡设立至今,每一年在学生奥斯卡奖上占据了统治地位的院校(如果缺失了哪一年,说明当年没有出现压倒性胜利的院校)。20世纪70、80年代,南加州大学在美国影视教育顶流的地位在那时已经奠定。- 1976年:南加州大学获得了在第三届学生奥斯卡五个奖项中的两个。- 1980年:南加州大学赢得了七个奖项中的两个。- 1983年:德克萨斯大学奥斯汀分校赢得了九个奖项中的两个。- 1984年:纽约大学拿下八个奖项中的两个。- 1987年:斯坦福大学获得了8个奖项中的两个,都是纪录片类奖项。- 1989年:南伊利诺伊大学赢得11个奖项中的两项。20世纪90年代,纽约大学几乎垄断了这一期间的奖项,可以说这就是属于纽大的时代。- 1993年:纽约大学获得三个奖项,南加州大学和罗德岛设计学院分别斩获两个奖项。- 1994年:多年动画奖得主加州艺术学院(CalArts),又拿下一个纪录片奖,共获得九个奖项中的两个。- 1995年:纽约大学赢得六个奖项中的两个。- 1996年:又是属于纽约大学的夜晚,获得了十一个奖项中的三个。- 1997年:纽约大学再次获得了两项大奖,而南加州大学获得了两枚铜奖。- 1998: 依旧是纽约大学的时代,获得了十一个奖项中的三个。- 1999年:纽约大学再一次获得了一金一银一铜的好成绩。21世纪开启,除了纽约大学和南加州大学在互相竞争以外,纽约的哥伦比亚大学,加州的伯克利也都取得了不错的成绩。- 2000年:纽约大学以三比二击败了加州大学洛杉矶分校。- 2002年:在没有一所学校获得多个奖项的一年之后,纽约大学以三个奖项重回榜首。- 2003年:哥伦比亚大学获得最高的两个叙述类奖项,成为唯一一个获得多个奖项的学校。- 2006年: 伯克利获得了三项纪录片奖中的两个,成为该领域的领跑者。- 2007年:纽约大学以四场胜利重夺桂冠。- 2008年:南加州大学赢得四个奖项,这是28年来得奖数最多的胜利。21世纪10年代,美国电影学院(AFI)在叙事类影片中展现了统治的姿态,纽约大学、南加大依旧表现不凡。- 2010年:纽约大学赢得2项大奖,是唯一一所获得多个奖项的院校。- 2011年:斯坦福大学是最佳纪录片这一领域的王者。- 2012年:美国电影学院(AFI)在叙事类影片中获得两项大奖。- 2015年:美国电影学院包揽了叙事类的三项大奖。- 2016:查普曼大学获得了两个奖项。- 2017年:纽约大学赢得了十个国内奖项中的四个。- 2018年:时隔10年,南加大在十个奖项中以四席重回榜首。- 2019年:美国电影学院在五年内第二次横扫叙事类奖项。【2】在学生奥斯卡屡获佳绩的中国学生实不相瞒,近些年已经有越来越多的中国同学凭借自己的毕业作品拿到奥斯卡了。在南加州大学攻读电影学院动画学系硕士的洪诗婷,凭借她的毕业短片《维奥拉》赢得了第35届学生奥斯卡金奖,登上奥斯卡杂志封面,并获得奥斯卡提名资格。毕业于美国北卡罗来纳大学电影制作专业,在旧金山艺术学院攻读研究生的张少甫凭借着导演的《龙娃》一举拿下第38届学生奥斯卡金奖。他在毕业后进入了迪士尼担任动画师,此后又回到武汉成立了自己的动画工作室。纽约大学电影学院三年级研究生刘雨霖在中国拍摄的故事短片《门神》获得了第41届学生奥斯卡的最佳叙事片。美国旧金山艺术大学学生祖小云导演的动画短片作品《翱翔》斩获了第42届学生奥斯卡动画金奖。毕业于纽约大学纪录片制作专业的郭容非凭借影片《我是仙女》,成为了第43届学生奥斯卡纪录片单元唯一一位获奖的华裔学生导演。就读于美国南加州大学电影学院的谢承霖在大三创作了动画《低头人生》,这部短片也为他赢得了第44届学生奥斯卡动画短片金奖。毕业于南加州大学的中国留学生童画执导的作品《春花》夺得了第45届学生奥斯卡叙事片单元金奖。去年研究生曾就读于美国电影学院 AFI 导演专业的源根用自己的硕士毕业作品《大厨》赢得了第46届学生奥斯卡叙事片单元银奖。值得一提的是,源根的作品《大厨》也在第四届 NEW ERA 青年电影季主竞赛单元共获三项提名,最终获得最佳导演。NEW ERA是一个为未来而建的青年影展,基于国内专业的影视创作人社区新bob手机版下载,希望看到青年创作人早期的作品,鼓励大家迈出关于电影的第一步。目前第5届主竞赛单元的作品正在征集中,大家可以带着自己对于电影饱含热情的短片作品来参加我们NEW ERA青年电影季。>>点击了解点这里

  • 20年过去了,我们从未忘记“哈利·波特”

    文| 龙承菲编辑| 江宇琦 “伤疤已经十九年没有疼过了,一切太平。”2007年,《哈利·波特与死亡圣器》的图书问世,末章描绘的十九年后,哈利·波特再一次站在九又四分之三站台,和他的朋友家人一起目送霍格沃茨特快远去,为自己年少的冒险故事,也为书外看客的青春回忆,画上了一个平淡的句点。但是书籍之外的故事还远远没有结束,甚至还在变得越发多样和精彩。过去的二十年间,“哈利·波特”系列合计推出了共计8部电影,总票房近78亿美元,是全球史上最卖座的系列电影之一;外传性质的系列电影《神奇动物在哪里》前两部已上映,全球票房超过14亿美元,第三部仍在筹拍之中。除电影外,“哈利·波特”系列还推出了舞台剧、数不清的衍生周边和品牌联名,并联手环球影城落地了实景娱乐项目。而在原作小说问世23年后的今天,当官方授权手游《哈利波特:魔法觉醒》宣布于5月29日开启安卓和iOS的双平台限量测试时,同样引起了不小的轰动;此前网传《哈利·波特与魔法石》将在内地院线大规模重映,也有不少网友表示,要去补上曾经欠下的那一张电影票。手游《哈利波特:魔法觉醒》毒眸查阅外媒2018年公布的一份排行榜后发现,“哈利·波特”以264亿美元的总营收,在全球IP营收排行榜上排名第六。《福布斯》如此评价这部由J·K·罗琳创作的传奇系列小说:“尽管她的读者年纪渐长,哈利波特系列依然像魔法一样源源不绝印钞。”一场全世界的“魔法旋风”1989年,24岁的J·K·罗琳在曼彻斯特前往伦敦的火车旅途中,看见车窗外一个戴着眼镜的瘦弱黑发小男孩对他微笑。7年后,罗琳将写好的故事大纲和三章小说寄给了代理商,她笔下的主人公正是个戴着圆框眼镜的11岁小男孩,拥有一头乱蓬蓬的黑发和明亮翠绿的眼睛,身形瘦小,前额上有一道闪电状的细长伤疤。那十几家拒绝过罗琳和她作品的出版商不会意识到,这个“其貌不扬”的小男孩会在日后风靡全球,与他背后神秘瑰丽的魔法世界一起,成为了不少人的童年奇梦。小说中故事结束的1997年,恰好是小说问世的一年——第一部《哈利·波特与魔法石》(以下简称为“《魔法石》”)在这年6月正式发行。但即使是最终接纳了这个故事的Bloombury出版社对其前景并不看好,初版仅仅印刷了500册精装本。但是,英国这片曾经诞生出《爱丽丝漫游奇境记》《纳尼亚传奇》等优秀儿童文学的土地,再次以热情的姿态,接纳了这部极具想象力的作品。《魔法石》发售后迅速引发了热议,而看到商机的出版社也立刻开始加印,并最终助推该作品登上了全英畅销书排行榜的冠军宝座,获得了英国国家图书奖儿童小说奖和斯马蒂图书金奖章奖。这样的热潮下,最初的500册精装本便显得尤为可贵——2017年11月,英国邦瀚斯(Bonhams)拍卖行在伦敦举行的一场拍卖会上,内页上有罗琳亲笔题词的第一版《魔法石》被拍出了10.6万英镑(约合92.7万人民币)的高价。进一步将“哈利·波特”推向全球的,是相关的系列电影创作。第二部消失《哈利·波特与密室》与第三部《哈利·波特与阿兹卡班的囚徒》,在1998年和1999年相继问世,让这个系列的火爆更上一层楼的同时,也让电影世界和好莱坞的资本们开始关注起了这个传奇男孩的故事。图片截自纪录片《创造哈利·波特的世界》据制片人大卫·海曼回忆,当时有不少知名导演都表现出了对这个电影的兴趣,其中包括史蒂文·斯皮尔伯格。但因为年轻的忠实书迷克里斯·哥伦布导演,在去见制片方之前,就已经花了两个星期自行起草了一份剧本,他的这份热情最终打动了制片人。“我们见了很多人,最终我们落到了工作环境舒适度的问题,还有谁是对这个素材最有热情的人,结论是,克里斯·哥伦布。”大卫·海曼说。导演确定后,彼时剧组仍然面临一个大问题:他们没有找到合适的主演。罗琳要求哈利·波特必须由一个英国男孩来饰演,这让华纳放弃了选用美国好莱坞童星的打算,转而在英国开启了“海选”。在当年,曾有无数个适龄的英国男孩参与到了海选之中,想要成为那个挥舞魔杖的黑发男孩。但是男主角的选拔并不是那么容易。大卫·海曼在纪录片中回忆道:“我们从1999年11月还没有导演的时候就开始找了,当时还是挺可怕的,因为那已经是(2000年)7月了,而9月就要开拍,我们还没找到哈利。”最终,导演克里斯·哥伦布偶然间看到了一个《大卫·科波菲尔》的录像,认为饰演大卫·科波菲尔童年时期的丹尼尔·雷德克里夫“很有演哈利·波特的潜质”。但是这份邀请在丹尼尔的父母那里受到了阻碍,作为业内人士的丹尼尔父母认为,这对他的一生影响太大,从而拒绝了哥伦布导演的邀请。最后还是靠着大卫·海曼多次保证不会因拍戏耽误丹尼尔的学业,丹尼尔的父母才同意儿子去试镜。丹尼尔之后回忆:“虽然我并不太相信这类东西,但是他(指丹尼尔的父亲)认为这是一种征兆,这一切可能是命中注定的。”罗琳在看了丹尼尔试镜的录像带之后,也说了这样一句话:“我感觉和自己久别的儿子重逢了。”丹尼尔·雷德克里夫童年在随后的十一年里,丹尼尔和从海选中脱颖而出的鲁伯特·格林特、艾玛·沃特森一起,成为了陪伴这一代观众时间最长、情感联系最为深厚的“格兰芬多铁三角”。而长达八部的电影拍摄,让电影里的哈利成长为对抗伏地魔的战士,让电影之外的青涩小演员成长为在首映式红毯上大方微笑的青年,这种时间上的跨度带来了“看着他们长大”和陪伴成长的亲切感——这或许也成为了让《哈利·波特》系列风靡全球、并经久不衰的情怀源头之一。《哈利·波特》在中国在第一部电影筹拍的同一时间,《哈利·波特》在海外的畅销,自然而然地引起了中国出版社的注意,国内多家出版社对《哈利·波特》系列的版权产生了极大的兴趣。2000年7月,《中华读书报》撰文报道了当时围绕着《哈利·波特》历时八个月的“版权大战”,而参与角逐的就包括此前一直专注于引进外国名著的人民文学出版社。作为中国最老牌的出版社之一,人民文学出版社碰巧于1999年,开始对经营思路进行调整,优化出版物的品种结构,特别提出将少儿图书作为出版社业务的重要部分来进行生产和经营,并成立了少儿读物编辑室——《哈利·波特》就此进入了出版社的视野当中。时任人民文学出版社社长的聂震宁曾撰文《一部超级畅销书的“生命工程”——《哈利·波特》的整体开发与营销》,在其中提到:“有了这个经营思路,我们才比较容易顺着这个路径发现、注意、把握、抓住那个戴眼镜的英国小男孩‘哈利·波特’。”而人民文学出版社此前打造出的品牌价值,也成为了拿下《哈利·波特》的制胜关键。据聂震宁回忆,在进行了一个来回的关于版税率等问题的讨价还价之后,经纪人克里斯多弗·利特尔表示想了解出版社的情况。“当时(我们)非常认真地宣传了出版社在中国的文学出版地位,利特尔在电话里对我们的自我介绍不断地惊叹,连声要求给他发文字材料。这时我们感到有戏了,英国绅士是不会轻易惊叹和发出要求的。”在《中华读书报》报道发出后,包括《北京青年报》《北京晨报》在内,多家国内媒体都围绕着《哈利·波特》的版权大战进行了报道,引起了广泛的话题讨论。而当时的人民文学出版社为此成立了专门的策划工作室,进行翻译的同时,也展开了严格的保密工作。媒体的热炒和出版社的“神秘”,在书籍投入市场前,就把国内读者的好奇心充分调动了起来。在书籍正式出版前一个月,人民文学出版社举办专题新闻发布会,宣布《哈利·波特》中文版的最终版权归属,这种前期宣传策略造就了“未闻其人、先闻其声”的舆论效果和市场准备,《魔法石》也就此在国内迎来了第一批销量高峰,成为2000-2001年度儿童文学类图书销售冠军。《哈利波特》系列书籍另一个在聂震宁的文章中被提到的前期宣传途径,是当时尚是新生事物的网络。21世纪初期中国互联网逐步发展的过程中,人民文学出版社也嗅到了这股新兴的“东风”,与800网站和博库网站分别签下了网上购书协议和独家配合宣传协议,并设计了网络宣传主页。同时,聂震宁还提到,当时他们还发现了经过注册的、由粉丝创办的“哈利·波特”粉丝网站,在感叹粉丝的前瞻性和操作能力的同时,还有一点没能“抢占先机”的遗憾。不过由粉丝创办的网站也是对哈利·波特的宣传,“反正是宣传我们的《哈利·波特》,正求之不得,应当表示感谢,后来她(创立者)和我们也有过很好的接触和配合。”彼时的中国互联网文化尚且处于萌芽时期,初兴的论坛成为网民最早的聚集地之一,其中就包括活力吧论坛。在吧主柳小狐成为了哈利·波特粉丝之后,2003年活力吧开设了哈利波特版,之后发展成为国内头牌哈迷论坛,鼎盛时期的日均访问量达到上千人。因为魔法世界而聚集于此的粉丝们,很快将国外的哈利·波特相关资讯搬运至此,并对罗琳笔下之后的剧情发展进行预测,甚至自己创作同人小说。两年后贴吧出现,粉丝进一步分流。如今,百度“哈利·波特”吧已经积累了超过70万的关注人数和1414万篇帖子。在论坛和贴吧野蛮生长的“哈利·波特”文化,伴随着互联网的成长,深深扎根在了一代代中国网民的心中,也为后续的“哈利·波特”热提供了长久的聚集阵地。入华整整20年,《哈利·波特》系列创造了佳绩。根据2015年的数据,《哈利·波特》系列图书在2015年已经销售超过2000万册;8部正传电影在华累计获得了超过10亿的票房——由于当年市场不是很大,所以这个数字看上去并不夸张,但其实每一部《哈利·波特》,几乎都是当年国内引进片票房的前五名。魔法的“戏仿”“哈利·波特”的走红,离不开各种营销、影视的助力,但是究其根本,无论是小说还是衍生电影和各路衍生品,能够大火还是要源自于罗琳笔下自成一系的魔法世界的世界观塑造。北京大学中文系博士、首都师范大学讲师林品曾撰文评价,这类现代奇幻文学往往会在讲述一个精彩故事的同时,构建一套宏大又自洽的世界观体系,而这一点在他看来,是它们最具特色的魅力源泉。“对我们这些读者来说,奇幻文学所创造的‘第二世界’,就提供了某种替代性的世界。我们可以沉浸到那个不同于现实世界而又自有其‘内在一致性’的‘第二世界’当中,去体验不一样的生命可能,去体认不一样的世界规则,进而去体会某些在现代社会当中可能久已失落或者难以成立的价值与意义。”林品表示。事实上,《哈利·波特》中的魔法设定,很多都能够从神秘学、神话传说、基督教文化中找到源头。比如小说中哈利父亲的旧友、狼人莱姆斯·卢平(Remus Lupin),名字来源于罗马神话中罗马市的奠基人之一,在神话中他被狼抚养长大。融入神话传说和巫术文化,让《哈利·波特》建立在读者熟悉的文化基础上,读者更容易接受和沉浸于世界观之中。电影版狼人莱姆斯·卢平同时,罗琳笔下的《哈利·波特》系列,传承了英国批判现实主义的文学传统,对霸权主义和奴役制度进行了反抗——小说中巫师对于家养小精灵的压迫和罗琳塑造出的多比的形象,都折射出对奴隶制度的批判。关于这点,《爱尔兰时报》的Naill Macmonagle曾评论道:“罗琳使她的读者认真地思考魔幻世界里存在的严峻问题,如以强凌弱、隐私、失败的友谊、政治进步意识。”此外,在林品看来,《哈利·波特》更为独特的地方在于罗琳对现代世界的戏仿与变形。与建立在中土世界的《魔戒》、需要穿越才能到达异世界的《纳尼亚传奇》不同,《哈利·波特》与现实世界处在同一时空维度。所谓的魔法世界隐藏在街角电话亭的地下、两个站台间的砖墙和麻瓜们看不到的酒吧里,那里的原住民能使用魔法、各种神奇生物穿行,却拥有和现实世界极为相似的学校、医院、商店街、银行和政府,学生们需要去住宿制的学校上学——魔法世界和现实世界交错呼应,如此类似却又十分遥远。有哈迷告诉毒眸:“这样就显得魔法世界离我们很近,好像真实存在一样,小时候会忍不住想总有一天也能收到猫头鹰的信。”“罗琳对于‘现实化’与‘奇幻化’的巧妙把握,一方面能够持续地引发读者的沉浸感、代入感与共鸣感,另一方面又为现代校园生活增添了许多令人惊异、充满神秘的奇幻色彩,”林品在文章中写道,“这两方面效果的微妙叠加,让霍格沃茨对一代又一代的读者构成了持久的吸引与召唤。”以这些巧妙而多元的世界观设定作为素材,《哈利·波特》系列自然有更大的衍生空间。全球最大的三家玩具制造商美泰、乐高和孩之宝,在购入了哈利·波特系列玩具与文具的特许经营权后,纷纷向市场推出了巫师袍、魔杖等周边商品。相关数据显示,这类衍生品周边开发的收益是该系列电影利润的70% -80%。哈利·波特周边产品2010年,位于美国奥兰多环球影城内的“哈利·波特主题公园”开始营业,吸引成千上万的哈迷前往朝圣,而如今这一主题公园也将落户北京;2018年洛杉矶手游工作室Jam City开发的手游《哈利波特:霍格沃茨之谜》,在预约阶段已有超过200万的玩家注册,上线后登顶欧美68个国家或地区iOS游戏免费榜;昨天《哈利波特:魔法觉醒》开发测试后,游戏名也登上热搜前20,相关超话里激活码“一码难求”……生动的故事和包容的世界观,让《哈利·波特》的故事能够衍生出游戏、商品、舞台剧,形成一个完整的IP商业链条。而读者对《哈利·波特》的热爱、从小说出版到电影完结长达14年的魔法世界旅途,也在为这个IP注入新的生命力与活力——而这种热爱,还会随着《神奇动物在哪里》系列电影的推出持续下去。时隔20年,我们仍然在等待猫头鹰携信来临。参考文献:[1] 林品.“哈利·波特”的独特魅力[N].光明日报,2019-03-20(16版).[2] 聂震宁.一部超级畅销书的“生命工程”——《哈利·波特》的整体开发与营销[J].中国编辑研究,2004(01):232-249.[3] 黄丽欣. 《哈利·波特》全程营销分析及其启示[D].河北大学,2009.[4] 段波.魔幻与现实交相辉映 传统与现代水乳交融——试析《哈利·波特》系列小说创作渊源[J].西安外国语大学学报,2007(02):70-72.

  • 灵感丨婚礼摄像师竟然拍起了武侠片?

    伙计们,今天给大家带来一条古色古香的短片:器材:ZCAM E2+BMPCC4K+DZOFILM 20-70这条片子由重庆DBFilm出品~DBFilm全称是DB影像定制工作室,DB来自The Day to Be。DBFilm是重庆最早的定制婚礼拍摄团队之一《花千骨》十一师兄董春辉 婚礼特邀拍摄团队 国家一级演员演员侯勇 婚礼特邀拍摄团队下面为大家带来DBFilm工作室的采访小编 Q1. 非常感谢您能选择玲珑系列20-70电影镜头,您拿到它已经多久了呢?DBFilm19年10月(使用4个月了)。小编 Q2. 您和您的团队主要使用它拍摄了哪些类型的影片?这支镜头给你们留下印象最深刻的点是什么呢?DBFilm我用这款镜头主要用来针对婚礼以外的拍摄,比如商业宣传片、广告片、秀、微电影等。 DBFilm这是第一支m43系统上的电影变焦镜头,可以说,这支镜头改变了我对m43系统运用领域的看法。这支镜头无论是色散、呼吸效应、焦外都做得非常出色,但对于我来讲,他扩宽了m43机器使用的领域,这个是我最喜欢的。毕竟它是将所有电影镜头的特性移植到了一个非常廉价的系统上,能让我真正的体验到专业的影视工业操作的流程。小编Q3. 您使用了20-70拍摄了这个贺岁短片,拍摄初期对它的影像风格是如何定位的? DBFilm创作初期是想要拍一个中国新娘古风主题,但又想区别传统中式拍摄。后期定调为:“侠”,现在的新娘不再是传统的中国新娘,女性不管是生活还是工作都能独当一面,这也是我镜头下新娘柔中带刚的侠义感。小编 Q4.拍摄过程中还使用了部分定焦镜头,对于不同镜头的切换,你们是怎样选择的? DBFilm对于镜头的切换,是针对不同场景不同景别和需要表达不同的情绪。贺年短片里,场地的全景以及模特全景会使用广角镜头,更具有视觉冲击力,凸显大气风格,20-70更侧重用来刻画细节和叙事性的中近景,100则会用来刻画大细节。小编 Q5. 对于变焦镜头还有没有其他比较期待的焦段,或者画幅呢? DBFilm对于变焦头我更希望能出现一些200以上焦段的镜头,和能跟上全副的电影镜头。小编 Q6. 山城重庆以火锅驰名,大家的性格也比较“辣”有个性,您对镜头风格化的看法是怎样的?DBFilm对于重庆的风格化,我个人认为视觉冲击力最能表现。小编Q7. 贵司有很多出色的婚礼拍摄作品,我们了解到目前大多数的婚礼跟拍机构还是使用自动对焦的镜头比较多,您对使用手动对焦镜头拍摄婚礼是怎样的看法呢?DBFilm婚礼拍摄环境比较复杂,全程纪实拍摄,高强度的工作下,我们大多数也是选用的索尼微单及镜头组。特殊的摆拍和创作镜头还是需要手动定焦头来。-END-DZOfilm小姐姐喊你延保注册啦!快加她微信:dzofilm!往期回顾-DZOFILM电影镜头用户报告- BlackRay-DZOFILM电影镜头-意大利MV拍摄心得-甲方一句话乙方想破头之“缩小的同时放大”-追逐记忆中的那道光丨肯尼亚电影摄影师创作回访

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